La Alfombra Roja

sábado, 31 de diciembre de 2011

Las 10 películas imprescindibles del 2011 para Cinedania

Para cerrar el año me parecía imprescindible plantearos las 10 películas más interesantes del 2011 desde la mirada de Cinedania. Han sido muchos pases de prensa, preestrenos, premieres, eventos Sensacine... y además hemos estado en dos de los Festivales más importantes de España como son los de Málaga y San Sebastian.

A lo largo de estos 365 días hemos aprendido mucho de lo que se puede hacer con una cámara: A rodar en blanco negro y sin sonido, a volver a la niñez, a impactarnos con imágenes tan duras como bellas, a que los problemas del día a día tengan su reflejo en la gran pantalla y, en definitiva, a seguir amando al cine.

Estas 10 películas que os proponemos de alguna u otra forma han conseguido ese objetivo y es justo reconocerlo en este post:

10.- "Cinco metros cuadrados"


Tuvimos la ocasión de disfrutarla en el pasado Festival de Málaga donde acaparó los premios más importantes incluyendo mejor película. Merecía estar en esta lista por dos motivos: el primero por saber reflejar de esa manera tan cercana y natural el problema de la vivienda que sufren y siguen sufriendo muchos españoles, y en segundo lugar por la dirección tan magistral de Max Lemcke sacando partido a dos actores de comedia como son Fernando Tejero y Malena Alterio, reglalándonos su cara más amarga y talentosa.

9.- "The company men"



La crisis al descubierto. Las consecuencias desoladoras del momento en que vivimos se muestran con crudeza en esta película donde destacan especialmente las interpretaciones brillantes de Tommy Lee Jones y Kevin Costner. Hasta Affleck actúa bien!!

8.- "Super 8"


La unión Spielberg-Abrahams no podía fallar. Una película que es el mayor regalo que se puede hacer a nuestra inocencia. Una vuelta a la niñez y a esos films de los 80 que muchos aún echamos de menos. De categoría!!

7.- "Crazy, stupid, love"




En nuestra opinión es la comedia del año y una de las gratas sorpresas de la temporada. Divertida, amena, bien dirigida e interpretada y con una suave ironía que me atrae especialmente. Glenn Ficarra dirige con acierto un plantel donde destacan especialmente Steve Carrell y Ryan Gosling.

6.- "Beginners"


Melancólica y triste esta producción independiente se cuela en nuestra alma con una historia sencilla, dura y solitaria. De cómo buscar una mano amiga y saber aceptar a las personas que te rodean tal y como son. Cristopher Plummer enseña el camino de la perfección en su papel de padre homosexual. Para recordar.

5.- "La deuda"


El Mosad al descubierto. Historia de mentiras, intriga y suspense que mantiene en vilo al espectador durante todo el metraje. El final es especialmente impactante. El desarrollo de los personajes es uno de sus puntos fuertes, con una estructurada composición y un adecuado conflicto final.

4.- "No habrá paz para los malvados"




La mejor película española del año (al menos de lo que yo he visto). Enrique Urbizu vuelve a demostrar por qué es el rey del thriller policíaco en este país. José Coronado interpreta uno de los personajes más recordados de nuestra filmografía en un film donde no faltan las persecuciones, los disparos, las explosiones y acción de la buena.

3.- "Shame"


Aunque aún no se ha estrenado en España, "Shame" ya ha tenido una larga trayectoria de Festivales donde hemos podido comprobar que el tándem Fassbender-McQueen funciona y de qué manera. Un relato donde  el desenfreno erótico del protagonista no consigue ocultar sus problemas y carencias. Michael Fassbender junto a Ryan Gosling son los dos actores revelación del año.

2.- "The artist"


Triunfó en Cannes y en todos los Festivales en los que se presentó. Hazanavicius presenta cine en estado puro. Muda y en blanco y negro, lo que podría convertirse en un hándicap se consagra como su principal fortaleza. Los Globos de Oro y los Oscar no tendrán otro remedio que rendirse a la evidencia.

1.- "Drive"


Aún estoy impactado con "Drive", no lo puedo evitar. Es cine negro que no olvidas con facilidad. Sus escenas más duras son cantos a la cinematografía; su fotografía y belleza visual no encuentran comparación con ningún otro título del año. Gosling y Mulligan forman la mejor pareja de ficción de este 2011 gracias a miradas, gestos y detalles que engloban sentimientos universales.

Espero que disfrutemos de un gran 2012 de cine!!

Quiero aclarar que estas películas están seleccionadas entre todas aquéllas que hemos podido ver. Es decir, hay otros films que aparecen en muchas listas que al no haber tenido oportunidad de visualizarlas no podía incorporarlas en la selección. Por ejemplo me quedaron pendientes títulos como "Mientras duermes", "Eva", "Le Havre", "Melancolía", "Margin call" y "Tintín" entre otras.

Feliz y cinematográfico año nuevo!!!

José Daniel Díaz

lunes, 26 de diciembre de 2011

Crítica: "Drive"

El Festival de San Sebastian cerró la Sección Zabaltegui-Perlas con este intenso drama de Nicolas Windin Refn. La decisión no pudo ser más acertada. Este 28 de Diciembre la cartelera española recibirá un regalo de Navidad en forma de película; "Drive" es, junto a "The artist", el mejor film de este año que acaba.

Cuando pensábamos que el cine negro se había quedado reservado a unos pocos directores, salta "Drive" a la palestra. Se presenta en Cannes, da un golpe sobre la mesa, y la crítica no puede más que rendirse a la evidencia. Desde los títulos de crédito, de claro aire noir ochentero con esas letras rosas, te das cuenta que no vas a ver una película más. No sabes qué es pero algo especial va a ocurrir.

Pronto entras en la dinámica de la trama. Un solitario mecánico (Ryan Gosling) se dedica a ganar un dinero extra como conductor en robos y atracos. Su mundo cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan) y entra en una espiral de violencia de la que no puede escapar.

No dudéis que se convertirá en una película de culto. Todo lo que la rodea la hace especial. Su intenso drama te atrapa, te seduce, te impide moverte del asiento. Ryan Gosling ("Half Nelson", "Crazy, stupid, love") y Carey Mulligan ("Una educación", "Shame") se han convertido en los dos actores referentes del futuro cine americano. Es imposible imaginar a otros nombres interpretando a la pareja protagonista. El actor canadiense da una lección interpretativa soberbia. Sin apenas hablar, con miradas y gestos, entiendes cada una de sus acciones y por dónde se encaminan sus sentimientos.


El plantel secundario no le va a la zaga encabezado por un magistral Albert Brooks, nominado al Globo de Oro por este papel. El mundo de la mafia se recrea con crudeza, con violencia. No existe compasión ni esperanza, los errores se pagan caro.

Nicolas Winding Refn divide la película en dos partes muy diferenciadas. En la primera nos muestra a los personajes, su forma de interactuar, prepara minuciosamente las piezas para desembocar en un segundo acto simplemente brutal. Jamás había vivido la violencia en pantalla de esa manera, nunca había salido de un cine con esa mezcla de dolor y satisfacción.

Es increíble que un guión sobre el papel simple y poco original, se convierta en las manos y caras adecuadas en una auténtica obra maestra. Los músculos se agarrotan en ciertas escenas pero no puedes apartar la mirada. Perder algo de lo que se cuenta sería un delito con merecedora pena de cárcel. El corazón en un puño y las pulsaciones a mil durante una segunda parte vertiginosa que deseas acabar y a la vez eternizar.

La fotografía y la dirección artística junto a una banda sonora sensacional, acompañan una historia perfectamente dirigida e interpretada. Parece difícil un gran número de nominaciones en los Oscar pero si el cine fuera justo su triunfo estaría asegurado.

Nadie se la puede perder, nadie la podrá olvidar.

Podéis disfrutar el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

viernes, 23 de diciembre de 2011

Crítica: "El cascanueces 3D"

Con la llegada de las Navidades es habitual que el número de películas infantiles se multiplique. "El cascanueces" de Andrei Konchalovski pretende ser un cuento lleno de música, aventura y fantasía pero lamentablemente se queda en un ejercicio de aburrimiento excesivamente larga y mal interpretada.

Lo primero que sorprende es ver a Konchalovski dirigiendo una película de estas características. Cuando aún le recordamos por "Tango y Cash" (y mira que han pasado años) donde Kurt Russell y Sylvester Stallone hacían de las suyas pistola en mano, ahora de repente nos cuela a la angelical Elle Fanning (¿Es la misma actriz de Super 8? ¿Dónde se dejó el talento?) y al exagerado John Turturro para contarnos a ritmo de baile que la vida no puede contener colores grisáceos.

El caso es que la historia presenta un alegato claro en favor de la inocencia, volver a ser un niño. Gracias a las historias del tío Albert, María alimenta su imaginación (aparentemente sin necesidad de condimentos psicotrópicos) que explota con fuerza en sus sueños trasladándola a un mundo onírico donde el mal en forma de ratas está dominando al bien que representa un cascanueces de madera.

Aceptable uso de los efectos visuales, totalmente necesarios para transmitir la sensación de oscuridad que domina el mundo. Las ratas, que parecen nazis encubiertos, son reflejo de la cobardía y el despotismo dictatorial. Queman juguetes para matar la inocencia, quitan libertad para evitar la rebelión, atacan a quienes son distintos.

Con un metraje excesivamente largo "El cascanueces" falla en el ritmo y la intensidad. Se pierde en diálogos sin fundamento, piezas musicales mal desarrolladas y en general poca originalidad. Le salvan sus buenas intenciones pero ni siquiera el mensaje llega a calar por difuminarse en una trama fallida.

Como escuché a un crítico... pobres niños!!!!

José Daniel Díaz

miércoles, 21 de diciembre de 2011

Cinedania y Sensacine regalan 10 entradas dobles para el preestreno de "Juan de los muertos"


Gracias a nuestros amigos de Sensacine os damos la posibilidad de asistir al preestreno de la terrorífica comedia "Juan de los muertos", una coproducción cubana-española que ya participó en la Sección Oficial en el Festival de Sitges y obtuvo el premio del público en el Fantastic Fest.

Los datos del preestreno son:


Fecha: Miércoles 4 de Enero de 2012
Lugar: Cines Palafox Madrid.
Hora: Proyección 22.00 horas

Sinopsis: Los zombies se han apoderado de La Habana. Un hombre que se hace llamar "Juan de los muertos" ofrece sus servicios para eliminar a los seres queridos infectados.

Para poder participar en este magnífico concurso deberás hacerte seguidor de Cinedania en Facebook o Twitter y mandar un mail a la dirección cinedania@hotmail.com respondiendo a la siguiente pregunta: ¿Cuál es tu película de zombies preferida y por qué? Recordar incluir en el mail vuestro nombre completo.

La fecha límite para participar será el viernes 30 de Diciembre.

Mucha suerte para todos!!!

Podéis ver el tráiler pinchando aquí


José Daniel Díaz

lunes, 19 de diciembre de 2011

Crítica: "Immortals"


La mitología griega al servicio del espectáculo. Sin rigor ni autenticidad, Tarsem Singh ("La celda") genera un entretenido ejercicio visual que pierde fuerza en una rocambolesca historia sin sentido. El 23 de Diciembre llegará a las salas "Immortals", un producto que poco tiene que ver con la Navidad.

Al más puro estilo "300", con imágenes que recuerdan a las aventuras de Leónidas, este film de acción reconstruye el duro enfrentamiento entre Teseo (Henry Cavill) e Hiperión (Mickey Rourke) en pos del arco de Epiro. Con ese arma el malvado rey podrá liberar a los titanes, maléficos seres que los dioses pusieron a buen recaudo.

El primer título que me vino a la cabeza al ver "Immortals", fue el remake "Furia de titanes" que se estrenó el pasado año. La crítica no la recibió con aplausos precisamente (de hecho tuvo el mérito de recibir dos razzies al peor remake y peor 3D) pero Perseo, hijo de Zeus, que tuvo entre sus mayores gestas cortarle la cabeza a Medusa, estaba retratado con cierta fidelidad al texto original.

Sin embargo Teseo, el personaje que nos ocupa, apenas guarda relación con su álter ego en la pantalla. La adaptación está tan enfocada al derroche de imaginación de unos cuantos iluminados guionistas, que pierde cualquier atisbo didáctico. No descarto que las drogas fueran un producto habitual en las reuniones de tan imaginativos creadores.

Tampoco soy tonto. Sé perfectamente que los productores en lo último que pensaban era en el aprendizaje del espectador. Centraron todas sus miradas en la imagen, en increíbles parajes y crueles disputas. El ritmo es ágil, sin tiempo para descansar. Incluso los escasos momentos románticos son fríos y de escasa maduración, diseñados únicamente para el deleite adolescente al ver semejantes cuerpos, y con la intención de no bajar la guardia en ningún momento.

Sin duda todas sus carencias se resuelven a golpe de espada, a través de discursos que recuerdan otros discursos, imágenes que recuerdan otras imágenes, y personajes llenos de tópicos. Le doy la razón en algo: las expectativas de desconectar de los problemas de fuera se alcanza con creces.

Tal como entré, salí. No quedará en mi memoria ninguna gran frase ni me transmitirá ninguna sensación pero también son planes necesarios de vez en cuando.

José Daniel Díaz

jueves, 15 de diciembre de 2011

Crítica: "El topo"

El sueco Tomas Alfredson, tras rodar en 2008 la película vampírica (y sobrevalorada) "Déjame entrar", se lanza a la adaptación cinematográfica de la novela de John Le Carré. "El topo" trae las credenciales de la buena acogida en Venecia y suena para alguna candidatura en los Oscar. Enrevesada y algo confusa, este film de espías cumple con todos los cánones del cine de suspense y, sin duda, se convierte en una recomendable opción.

El espionaje, y más concretamente el asociado a la traición, ha sido recurrente en la cinematografía mundial. Con miradas clásicas, casi cotillas, el traspaso de información y las fuentes confidenciales han sido recursos seguros para los cineastas. Recuerdo esa sorprendente película enmarcada en la Alemania dividida, "La vida de los otros", que mostraba con agudeza e ingenio la labor del espía como un oficio al margen del sentimiento.

"El topo" repite en cierta forma esa manera de transmitir la labor de las Agencias secretas de información. El sentimiento, aunque sea imposible desligarlo del ser humano, queda aparcado por un trabajo "distinto" pero necesario. Adelantarse al rival, conocer sus secretos y tomar decisiones gracias a labor de los infiltrados se reduce a una carrera de obstáculos donde sólo el primero merece premio.

En esta ocasión es el Servicio Secreto de Inteligencia Británico, en plena Guerra Fría, el que debe descubrir quién está pasando información confidencial a los soviéticos. George Smiley (Gary Oldman) inicia una serie de pesquisas para encontrar al traidor teniendo en cuenta que la lista de posibles candidatos se reduce a cinco personas (incluído el propio Smiley).

La trama obliga a un ejercicio de atención y análisis muy detallado. El cómo se dice gana enteros sobre lo que se dice y los gestos y miradas derrotan al diálogo. Tomas Alfredson plantea una complicada historia con la firme intención de mantener al espectador entre la ignorancia y el despiste. Abusando en ocasiones del flashback y con continuas idas y venidas temporales, su conciso y embriagador relato consigue encajar como un gran puzzle.

Mucho mérito del éxito de este film se encuentra en el casting. Gary Oldman se despega de esos personajes tan histriónicos a los que nos tenía acostumbrados en "El quinto elemento", "El clan de los irlandeses" ó "Leon, el profesional". Siguiendo la línea al más puro estilo Comisario Gordon (su papel en "El caballero oscuro"), vuelve a retratar un personaje sin fisuras, sin alardes, para demostrar una vez más que lo cotidiano no es fácil. Apoyado en un grupo de actores ingleses de alto nivel como Colin Firth ("El discurso del rey") y John Hurt ("Los crímenes de Oxford"), el escenario final es uno de los mejores repartos de 2011.

Mención especial a la música de Alberto Iglesias que vuelve a encajar con sabiduría una melodía que acompaña y seduce, demostrando el por qué es uno de nuestros profesionales más reconocidos dentro y fuera de la Península Ibérica.

Los Globos de Oro no han sido generosos con esta atractiva historia pero quién sabe si alguno de los actores tendrá su sitio entre los nominados a los Oscar. A mí no me sorprendería.

José Daniel Díaz



viernes, 9 de diciembre de 2011

Crítica: "Maktub"


Por fin vemos en el horizonte el estreno de "Maktub", la película que debe revolucionar estas Navidades para que ese centro de transplantes de médula ósea sea una realidad. Como Embajador Aladina os pido que abarrotéis, el próximo 16 de Diciembre, todos los cines españoles y demostremos que la solidaridad en este país existe.

Paco Arango, creador de la Fundación Aladina y director de "Maktub", ha perfilado una película familiar, divertida y apta para todos los públicos. Es curioso que un tema que podía haberse enfocado desde un punto de vista dramático se haya convertido en una comedia donde los problemas siempre arrancan una sonrisa.

Sin lugar a dudas su intencionalidad es su punto más fuerte. Fantástico, igualmente, es el plantel con el que se ha rodeado para plasmar en pantalla los últimos meses de vida de Antonio, un chaval canario de 15 años enfermo de cáncer. Diego Peretti, Andoni Hernández, Aitana Sánchez Gijón, Goya Toledo, Rosa Maria Sardá, Enrique Villén, Amparo Baró y Mariví Bilbao encabezan un reparto lleno de estrellas concienciadas en la labor social de esta película.

"Maktub" en árabe significa "lo que está escrito". El destino es un personaje más dentro de esta historia; la demostración de la gran importancia que pueden tener las casualidades. Con un mensaje optimista, la película te muestra cómo esas situaciones imprevistas cambian la rutina de Manolo, un hombre en plena crisis matrimonial, sin fe en su trabajo y con poca dedicación a su familia. El contacto con Antonio, un chaval con cáncer, le hará verlo todo desde otra perspectiva.

Basada en una historia real, Paco Arango ha querido revivir los momentos que compartió con un chico enfermo de cáncer que finalmente murió. Este particular homenaje cuenta con la canción "Nuestra playa eres tú"compuesta por dos de los mejores amigos de Antonio y que, sin duda, desprende emoción en cada línea.

500.000 euros, ése es el objetivo. Una cantidad que se antoja posible y que ojalá se supere con creces. Cine solidario, cine con alma social, lo vamos a despreciar? Seguro que no!!!

José Daniel Díaz

lunes, 5 de diciembre de 2011

"The artist", gran película para un fantástico Community Day navideño de Sensacine

Nuestros amigos de Sensacine organizaron el pasado 1 de Diciembre el Community Day navideño con una apuesta segura, la proyección de una de las películas revelación de la temporada: la francesa "The artist". En esa fria noche madrileña volvimos a reunirnos con todos los bloggers referentes en el ámbito cinematográfico y en una amena cena compartimos opinión y conocimientos, haciendo que esa velada se convirtiera en algo especial y gratificante.

Desde Cinedania agradecemos a todo el equipo de Sensacine el trato que siempre han tenido con nosotros. El ambiente siempre cordial, integrador y de "buen rollo" fomenta las buenas vibraciones y logra que cada día seamos más los que deseemos formar parte de esta gran familia. Muchas gracias de corazón y nos vemos en la próxima, eso seguro!!!

¿Y qué decir de "The artist"? Simple y llanamente que es una obra maestra. Espectacular de inicio a fin, tratada de forma exquisita como los buenos productos artesanales. En una época marcada por el formato digital y el 3D, Michel Hazanavicius se atreve y arriesga con una historia muda y en blanco y negro.

1927.George Valentin (Jean Dujardin) es un actor de cine mudo de gran éxito y fama. Sin embargo, comete el error de despreciar el cine sonoro lo que le lleva a la ruina. En paralelo, la hermosa Peppy Miller (Berenice Bejo) se ve lanzada al estrellato.

El guión contiene todos los ingredientes necesarios para recuperar el cine clásico. Ríes, lloras y te emocionas, y todo ello sin oír una sola palabra. Los personajes están perfectamente estructurados incluyendo al pequeño perro que acompaña al protagonista y que bien merecería una nominación al Oscar (¿no se está pidiendo lo mismo para el mono de "El origen del planeta de los simios?)

Gracias a una banda sonora excepcional, la música se adapta como un guante a la historia. Consciente de su importancia, se nota la enorme dedicación y trabajo que ha supuesto conjugar imagen y música.

Tanto los actores principales como los secundarios hacen una labor magistral donde se nota la magnífica dirección de actores de Michel Hazanavicius. Y es que el director francés rueda alguna de las escenas más interesantes y de calidad jamás recordadas. Por seleccionar dos de ellas, es impactante y de enorme fuerza visual el momento en que Peppy juega con la chaqueta de George Valentin ó las sucesivas tomas que se ve obligado a realizar el personaje de John Goodman por el flirteo que tienen durante el rodaje George y Peppy.

Aún guardo en mi retina ese baile final y una sensación de satisfacción por disfrutar de un título tan especial. Los Oscar caerán rendidos a "The artist" tal y como ya hizo Cannes, Sevilla, Nueva York, Washington y San Sebastian entre otros. Como diría Garci... Qué grande es el cine!!!

José Daniel Díaz

jueves, 1 de diciembre de 2011

Crítica: "Jane Eyre"

El desconocido Cary Fukunaga se encarga de adaptar nuevamente el clásico de Charlotte Brontë, "Jane Eyre". Una original vuelta de tuerca a esta romántica historia de época que no consigue atrapar al espectador. Sobra metraje, carece de cambios de ritmo  para evitar la linealidad argumental y aporta poco en general a una trama de sobra conocida.

¿Por qué otra adaptación de esta conocida novela? ¿Acaso los anteriores intentos no habían logrado alcanzar una calidad comparable a su álter ego literario? Difícil de contestar. La realidad es un título en la cartelera que suena a años pasados y que se diferencia de sus anteriores versiones en una visión más oscura y tétrica de los acontecimientos que se narran.

Jane Eyre es una joven culta que ha sufrido mucho desde su niñez. Tras pasar muchos años en un internado se desplaza como institutriz a un lujoso castillo que regenta el apuesto Edward Rochester. Su complicada relación de amor con el enigmático amo  la marcará toda la vida.

Los papeles principales los defienden tres de los nombres más prometedores del cine mundial, Mia Wasikowska ("Alicia en el país de las maravillas", "Albert Nobbs"), Michael Fassbender ("Shame", "Un método peligroso") y Jamie Bell ("Billy Elliot", "Tintín y el secreto del unicornio"). Demuestran buenos mimbres y confirman el gran futuro que les aguarda.

La fotografía, vestuario, maquillaje y dirección artística son elementos a destacar y admirar. El uso de la luz para ahondar en el interior de sus protagonistas es, cuanto menos, interesante. Personas marcadas por pasados oscuros en una sociedad que no permite el más mínimo error. El uso del personaje de la ama de llaves (Judy Dench) para demostrar las diferencias entre las distintas clases sociales es un recurso efectivo y esclarecedor.

Será mi poca devoción a los dramas de época o quizás mi animadversión a las historias lentas y densas sin motivo que lo sustente, pero me cuesta disfrutar de remakes de este tipo. No me integro ni quiero hacerlo. Aunque fuera habitual en los tiempos en los que transcurre esta historia de amor, no conecto con una relación basada en la superioridad machista del hombre sobre la mujer. Eso no es romanticismo.

Cary Fukunaga usa el flashback y los cambios temporales como símbolo de dinamismo. Un recurso que suele ser efectivo en tramas de otro tipo pero que aquí carece de sentido. Valoro ese intento de romper la linealidad y promover cambios que rompan la estructura habitual del guión, pero no alcanza el objetivo. El cine no es tan fácil como parece.

Por cierto, el cartel de la película es horrible...

José Daniel Díaz

domingo, 27 de noviembre de 2011

Crítica: "Un método peligroso"

David Cronenberg no es ningún principiante; de hecho no seré yo quien descubra a este mítico director canadiense. El  tiempo y la experiencia que ha ido adquiriendo han sido sus mejores aliados. "Un metodo peligroso" es su última obra hasta la fecha, aunque ya está rodando "Cosmopolis" que se estrenará en 2012. Una obra alejada de sus últimos títulos que propone cultivar mentes y abrir conciencias.

No es habitual encontrar en la cartelera española películas tan complejas y atrevidas como ésta que nos ocupa.  A muchos sólo escuchar los nombres de Freud y Jung les generarán salpullidos. El psicoanálisis daría para un libro y cinco películas así que la trama tan sólo podía centrarse en un aspecto muy concreto de la vida de ambos personajes.

Mezclar la interpretación de los sueños con el sentimiento y el deseo sexual, es imprudente y a la vez fascinante. El ser humano que estudia la psique no deja de ser otro ser humano que necesita ser analizado. Tal y como demuestra este trabajado guión, la relación tan intensa entre Freud (Viggo Mortensen) y Jung (Michael Fassbender) se convierte en autodestructiva.

Sabrina (Keira Knightley) se entromete entre ambos médicos. Su locura, atrevimiento y deseo sexual transtorna la seguridad y posición social de Carl Jung. Este trío de personajes llenos de intelectualidad y ansias de conocimiento y evolución, se enfrentan a ellos mismos buscando respuestas a sus actos.

Soberbias interpretaciones para un arriesgado guión, fuera de cualquier círculo comercial, que construye con destreza y complejidad la evolución natural, tranquila pero incansable de tres personas al borde del precipicio emocional. Freud, aparentemente seguro e implacable en sus ideas; Jung, ansioso por evolucionar hacia un psicoanálisis más moderno y curativo y Sabrina, aparentemente loca pero con unas ansias implacables por aprender y desarrollarse.

Este conjunto lo dirige Cronenberg con pocas licencias, utilizando la cámara para destacar aún más las interpretaciones casi teatrales de sus protagonistas. Alejado de sus últimos títulos ("Una historia de violencia, "Promesas del este"), sólo comparte con ellas al siempre efectivo Viggo Mortensen. El director canadiense bucea en este mundo filosófico convencido de lo necesario del proyecto. Sin complejos describe, con una cuidada fotografía, una época conflictiva políticamente pero de gran calado moral.

Cuando la narrativa es tan densa y difícil como la de "Un método peligroso", es fácil caer en la autocomplacencia y deleitarse con diálogos técnicos muy alejados del mundo cinematográfico. En la parte central del film esa sensación crece con intensidad, obligando al público a un exagerado ejercicio de comprensión.

Creo en el cine didáctico y formativo, en las historias alejadas de la épica o el romance tradicional para enfocarse al aprendizaje y a la apertura de mentes. Recomendable para personas con un interés más allá del puro entretenimiento.

José Daniel Díaz

jueves, 24 de noviembre de 2011

Crítica: "Arthur Christmas: Operación regalo"

Atención!! Cuidado!! Hay una niña que quizás no reciba su regalo de Navidad. En un imperdonable olvido Santa Claus ha dejado a Gwen, de un pueblecito de Inglaterra, sin la bici que tanto ansiaba. Menos mal que su hijo menor, Arthur, hará todo lo posible por evitar que ese desliz arruine las Navidades a esa niña.

Sony y Sensacine han tenido el gran detalle de invitar a este blog a un pase muy especial de esta película animada. Utilizando la tecnología 3D y aprovechando al máximo las posibilidades que ofrece el mundo de la animación, "Arthur Christmas: Operación regalo" no decepcionará a sus principales clientes: Los niños.

Su trama es original, ingeniosa y divertida. Carece de ritmo en algunos momentos pero los pequeños de la casa no entienden de esas cosas. Ellos verán un entretenido espectáculo de inocencia y magia, algo que alimente su imaginación. Ni siquiera los chistes dirigidos a adultos les harán perder el hilo de la historia.

Sin perder el carácter puramente infantil que rodea esta trama, podemos leer entre líneas valores a tener en cuenta. El hermano mayor es codicioso, el abuelo vengativo y el padre desmotivado lo que componen unos personajes llenos de carencias en contraste con un ser inocente, espontáneo, bondadoso y responsable como Arthur.

Con los divertidos elfos, trabajadores incansables al servicio de Papá Noel, nos damos cuenta de la importancia del trabajo en equipo. Su incansable labor vela por un objetivo fundamental: Que todos los niños tengan su regalo al levantarse. Cuando eso se ve interferido por una entrega no realizada, todo su mundo y sus responsabilidades se tambalean ante la llegada de un posible fracaso. Ese mensaje de trabajo bien hecho y profesionalidad en todo lo que realizas es necesario que lo interioricemos todos.

De todas formas, no nos engañemos. La Navidad ya está aquí, los niños irán al cine y este estreno está dirigido a que pasen un rato ameno, se rían y salgan creyendo en todas esas ilusiones que la edad va matando.

José Daniel Díaz


domingo, 20 de noviembre de 2011

La Madrid Premiere Week recupera las grandes noches de glamour

La próxima semana, concretamente los días 22, 23 y 24 de Noviembre se celebrará en Madrid la primera edición de la Madrid Premiere Week que pretende recuperar las grandes noches de estreno con vocación de aumentar días, proyecciones y recursos en próximas ediciones.

Para esta primera cita se han elegido tres películas de próximo estreno muy relacionadas con el cine español. La primera, el día 22, es la solidaria "Maktub" de Paco Arango que desde este blog hemos estado promocionando por su carácter solidario. Ya se sabe que la alfombra ese día contará con el director y los actores Aitana Sánchez Gijón, Goya Toledo y Diego Peretti entre otros.

El segundo día se proyectará uno de los títulos más esperados del mes de Diciembre, la animada "El gato con botas". Tras el gran éxito que ha tenido por tierras americanas, la latina Salma Hayek y el malagueño Antonio Banderas presentarán en la Plaza de Callao su nuevo trabajo cinematográfico. Sin duda la presencia de estos dos actores incrementa el nivel de este Festival.

El último día habrá doble sesión. Por un lado la TV movie de Daniel Calparsoro llamada "Tormenta" inaugurará la tarde del 24 mientras el plato principal llegará por la noche con la proyección de "Fuga de cerebros 2" de Carlos Theron. Además de los actores principales de la película como Adrián Lastra o Alberto Amarilla, se espera con curiosidad la presencia del mítico David Haselhoff que realiza un pequeño papel en el film.

Interesante primera experiencia que esperemos culmine en un Festival de renombre en la capital, que ya va haciendo falta.

José Daniel Díaz


Más información en http://www.madridpremiereweek.com

lunes, 14 de noviembre de 2011

Carné Joven presenta el MES DEL CINE


Desde Cinedania nos hacemos eco de una buena iniciativa para aquéllos que disfrutéis de una edad comprendida entre los 14 y 30 años, viváis en Madrid y tengáis el carné joven.

Aparte de los beneficios habituales en cuanto a descuentos, actividades, etc, se están preparando a través de las redes sociales concursos para conseguir entradas de cine, teatro, espectáculos, conciertos...

En concreto, este mes de Noviembre es el mes del cine donde además de mantenerse los descuentos habituales en CineBox, Kinépolis, Cine Dreams o Yelmo Cines, se van a regalar 200 entradas para los fans de Facebook.

Tenéis toda la información en el siguiente enlace:
http://carnejovenmadrid.com/ofertas-especiales/carne-joven-te-presenta-el-mes-del-cine.html

Todo lo que sea animar a la gente a disfrutar del cine me parece un loable asunto. El cine es cultura, arte, diversión, espectáculo, alegría y pena, sentimientos, pasión, riesgo, crítica, entretenimiento... Es tantas cosas y tan necesarias que no se pueden perder oportunidades como ésta.

Cada semana se regalarán 50 entradas así que no perdáis el tiempo y animaros a participar!!!

 https://www.facebook.com/CarneJovenMadrid

José Daniel Díaz

viernes, 11 de noviembre de 2011

Crítica: "5 metros cuadrados"

En el Festival de Málaga, antes de iniciar las proyecciones, en el subconsciente de todos ya teníamos clara cuál sería la favorita. Max Lemcke se había ganado el respeto con "Casual day" y no podía fallarnos en su consagración. "5 metros cuadrados" mete el dedo en la llaga con un humor de tintes dramáticos, donde la ironía y el sarcasmo arrancan sonrisas agridulces.

Max Lemcke no es un hombre de grandes discursos pero el objetivo de su cámara no toca temas mundanos. En "Casual day" ponía al descubierto la falsedad de las empresas, el egoísmo de los trabajadores y la escasa solidaridad entre compañeros. Ahora vuelve a tocar la fibra sensible del ciudadano medio. ¿Quién no ha sufrido ó conoce a alguien en una situación inmobiliaria traumática?

"5 metros cuadrados" es, ante todo, una historia necesaria. Parece mentira que algo tan sensible aún no se hubiera puesto al descubierto. Una pareja de jóvenes enamorados compran con ilusión su nueva casa. Todas sus expectativas de futuro se van al traste cuando las obras se detienen. A partir de ese momento empieza un calvario de manifestaciones, promesas incumplidas, ofertas insatisfactorias... que les llevará a la desesperación y a replantearse la relación.

Es imposible no sentirse identificado con la pareja protagonista. Fernando Tejero y Malena Alterio representan a  la perfección el típico matrimonio de clase media. Sus soberbias interpretaciones no hacen otra cosa que incrementar la sensación de realidad que transmite toda la película. Empatizas con los personajes, los conoces, los entiendes y sufres con ellos.

Sorprende, por ser tan real como la vida misma, cómo todas las personas cercanas a la pareja les dejan de lado en el momento más crítico de sus vidas. Algo que no han causado ellos les convierte en culpables, los estafados son rechazados por la sociedad por la sensación de fracaso que representan. La película te agarrota el estómago, saca tu rabia y hasta los títulos de crédito no te recompones.

Justa ganadora en Málaga, posiblemente también encuentren su lugar en los Goya en forma de nominaciones. Apuntar a Fernando Tejero como actor principal, Jorge Bosch como secundario, el guión de Pablo y Daniel Remón y la dirección sobria pero certera de Max Lemcke.

Todos tenemos derecho a una vivienda pero aún más derecho a la justicia. Que se lo mire quien se lo tenga que mirar.

Podéis ver el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

lunes, 7 de noviembre de 2011

Crítica: "La guerra de los botones"

Nuestros amigos de Sensacine nos dieron la oportunidad de visionar la última película de Cristophe Barratier ("Los chicos del coro", "París, París"), la tragicomedia "La guerra de los botones". Un remake de la película que en 1962 dirigió Yves Roberts y que se basaba en la novela de Louis Pergaud de 1912. En definitiva, una vuelta de tuerca al horror de la guerra donde mayores y niños conviven con el odio, como si éste fuera un personaje más.

No soy gran aficionado al cine francés más allá de algunas historias interesantes que a veces entran sin hacer ruido en nuestra cartelera. En los últimos años su evolución se ha manifestado en una mayor exportación de productos para todos los públicos como la divertida "Bienvenidos al norte" ó la emocionante "Los chicos del coro". Parece que "The artist" puede ser el gran bombazo del año y su presencia en los Oscar todos la dan por segura.

"La guerra de los botones" lamentablemente no se encuentra al nivel de los títulos que he mencionado. Aunque impacta su fotografía, su especial cuidado en el uso de la cámara y unos niños voluntariosos en sus interpretaciones, a la película le falta chispa y modernidad. No es la primera vez que se plasma en la pantalla cómo la actitud de los mayores se refleja en la forma de comportarse de sus hijos.

Entiendo que la originalidad radica en librar una batalla donde el botín sea arrancar los botones del adversario para ridiculizar al rival, pero toda la fuerza que desprenden las situaciones de los más jóvenes se pierden en la desestructuración que encontramos en la historia de los mayores. Con retazos de varias telas y de una manera políticamente correcta nos intentan transmitir cómo la rebelión de los franceses contra los nazis se encuentra en un punto álgido.

Personalmente me resulta más virulenta y peligrosa la guerra de los botones que la real. No intuyo el dolor y la miseria de los vencidos. La ridiculización de los nazis empequeñece una guerra cruel y dolorosa. "La vida es bella" supo perfectamente conjugar la inocencia de un niño con la cruda realidad pero "La guerra de los botones" se queda a años luz de esa maravillosa película.

No me entendáis mal, me parece un trabajo ameno y de disfrute fácil. Sin embargo, lamento profundamente perderme en un relato donde ya no sé quién es bueno y quién malo, donde el héroe que se rebela contra los nazis maltrata a su hijo, donde el profesor del pueblo se limita a poner cara de póker sin saber exactamente cuál es su papel en la película, donde la actriz protagonista soporta todo lo que viene encima sin atisbo de sufrimiento, donde los niños se muestran sádicos y rencorosos ...

No empatizo con los personajes pero quizás el problema no sea de la película.... como diría esa mítica comedia argentina "No sos vos, sos yo".

José Daniel Díaz

jueves, 3 de noviembre de 2011

Crítica: "Verbo"

Tras dos años de espera, por fín llega a las pantallas españolas el primer largometraje de Eduardo Chapero-Jackson. "Verbo" es un cuento sobre la búsqueda de la identidad personal y la propia aceptación. La debutante Alba García acompañada de Miguel Angel Silvestre, Verónica Echegui, Víctor Clavijo, Macarena Gómez y Najwa Nimri forman el elenco interpretativo que a golpe de rima soportan esta atrevida fábula.

Chapero-Jackson se ganó un nombre gracias a sus cortos "Alumbramiento", "A contracuerpo" y "The end". Bajo el nombre de "A contraluz", esa trilogía mostraba situaciones límites que debía soportar el ser humano. Su estilo, siempre lleno de metáforas, era previsible que se reconociera en "Verbo".

A través del hip hop, los graffitis, los skates y las rimas, Sara (Alba García), busca encontrarse a sí misma, seguir un camino que la reconcilie con el mundo que le ha tocado vivir. Ni sus padres, ni el instituto ni tan siquiera sus amigos comprenden el mundo interior que esconde en su cuerpo de 15 años. Unos extraños personajes liderados por un hombre que responde al nombre de Líriko aparecerán para ayudarla a encontrarse y prepararla para afrontar la vida.

Son muchos los mensajes y detalles que se reconocen en "Verbo". La primera y fundamental es la dificultad de los jóvenes por encontrar su sitio. En ese sentido la crítica al sistema educativo es evidente. Un profesor totalmente desmotivado se limita a dejar pasar los días mientras las lecturas de El Quijote se suceden. Sin ningún ánimo por motivar a sus alumnos el vacío que despierta en ellos resulta peligroso.

Los padres tampoco salen bien parados. Su dedicación al trabajo les impide dedicar tiempo a su hija. No se paran a escucharla y despiertan cada mañana ajenos a los problemas de una adolescente desubicada. El panorama es lamentable y fiel reflejo de una sociedad carente de valores y estímulos.

La única forma de evadirse es seguir las frases en forma de graffiti que dibuja Líriko. Sólo él la puede salvar del abismo. Toda esta crítica se difumina en una obsesión ridícula por utilizar la rima como método de comunicación. Las conversaciones pierden fuerza al alternar animación, imágenes al más puro estilo videoclip y canciones de hip hop con asuntos de vital importancia.

Eduardo Chapero Jackson se atreve con algo distinto. Quien diga que el cine español es más de lo mismo, aquí tiene una buena muestra de creatividad, ingenio y savia nueva. Un guión valiente que a buen seguro tendrá tantos defensores como detractores; un mensaje lleno de buenas intenciones que comparto en gran medida. Su puesta en escena, vestuario, maquillaje y efectos especiales superan la media nacional.

Me reconozco en los valores de "Verbo", disfruto con la trama, conecto con sus intenciones y pese a sus defectos la enmarco dentro de las películas españolas más importantes del año. Director no apto para corazones tradicionales, arriesga con talento y vuelve a demostrar que será alguien a tener en cuenta en próximos trabajos. De momento disfrutemos de "Verbo".

José Daniel Díaz

martes, 1 de noviembre de 2011

La XX Gala de la Unión de Actores se conjura "en busca de la unidad perdida"


Con mucho retraso sobre la fecha inicial estimada para el mes de marzo, por fin se celebraron los XX Premios de la Unión de Actores en el teatro Circo Price de Madrid. En una Gala sobria pero muy divertida, se echó en falta a los grandes nombres interpretativos del cine español. Ni Bardem, ni Pilar López de Ayala, ni Juan Diego, ni Antonio de la Torre, ni Eduard Fernández, ni Elena Anaya, ni Mario Casas, ni Sancho Gracia entre otros aparecieron por allí pese a estar entre los nominados.

En una Gala hecha para y por los actores, el nuevo presidente de la Asociación Vicente Cuesta aprovechó su discurso para animar a sus militantes a comparecer en el Congreso que se celebrará en los próximos meses donde debatirán la posibilidad de erigirse como sindicato independiente. Dado que, como comentó el Presidente, "vienen tiempos oscuros, difíciles y sombríos", apeló a la unidad de todos para conseguir que sus reivindicaciones sean escuchadas.

Inmediatamente empezó la parte más lúdica del evento con la entrega del premio especial de la Unión de Actores al Circo Price por su aportación a la cultura madrileña.

El maestro de ceremonias en esta ocasión fue el humorista Pepín Tre, fantástico en su papel. ¿Por qué no le eligen para presentar los Goya? Su humor absurdo hizo disfrutar a un público totalmente entregado. Tampoco faltó la diversión con las actuaciones de Pepe Viyuela  y el mago Jorge Blass. La música corrió a cargo de Mastretta, grandes en cualquier lugar y ocasión.

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue el reconocimiento de las Mujeres de la Unión a las Abuelas de la Plaza de Mayo. Su injusticia recorrió el  mundo y aún hoy siguen buscando a todos los niños argentinos que fueron secuestrados por la represión política del país.

Tras la entrega de premios de televisión y teatro llegó el turno a los mejores actores de cine del año 2010. El actor revelación recayó en Manuel Camacho, el niño de "Entrelobos". Tras él, los mayores tuvieron su momento con premios para Pilar López de Ayala y Antonio de la Torre como mejores actores de reparto, ambos por "Lope". Ninguno de ellos se encontraba en la sala aunque especialmente sangrante e informal fue la entrega a Pilar, que no dejó encargado alguno para recogerlo.

Los mejores secundarios fueron para Víctor Clavijo por "18 comidas" y Ana Wagener por "Biutiful". Ellos sí recogieron personalmente el premio y era palpable la emoción que suponía recibirlo. En una noche donde los más recordados fueron los padres, ellos tampoco olvidaron los suyos al dedicar este reconocimiento de los compañeros de profesión.

Los protagonistas de cine se reservaron para el final. Ante la atenta mirada de Unax Ugalde y Lluís Homar, el nombre que se escuchó fue el del ausente. Javier Bardem por "Biutiful" se llevaba el gato al agua. Su madre, Pilar Bardem, recogió el galardón y excusó la ausencia de su hijo "porque está intentando matar a Bond". La actriz protagonista llevaba el nombre de Sonsoles Benedicto por "La vida empieza hoy" lo que despertó la alegría y emoción de sus compañeros por reconocer a una mujer con tantos años en la profesión.

Aún quedaba el colofón. El homenaje a toda una vida subía a recogerlo la entrañable Asunción Balaguer que no pudo evitar alguna lágrima cuando comprobó que sus propios nietos le entregaban el premio. Apeló a seguir escalando dentro de la sociedad para que así la gente "nos quiera más".

Gran final para una Gala entretenida, sin derroche pero con creatividad, que sólo se vió empañada por ciertas ausencias. La unidad que se pedía no pudo iniciar con peor pie...

martes, 25 de octubre de 2011

Crítica: "De mayor quiero ser soldado"

Gracias a Globally tuvimos la oportunidad de disfrutar de la premiere de la nueva película de Cristian Molina, la   instructiva "De mayor quiero ser soldado". Una gran oportunidad que nos permitió compartir un amable diálogo con el director y después asistir a la proyección de este esperado film.

"De mayor quiero ser soldado" hay que evaluarla desde dos perspectivas distintas: el aspecto pedagógico y el puramente cinematográfico. Tras el encuentro con Crhistian pudimos apreciar que otorga mucho más valor a ese primer aspecto que al segundo. Una posición muy loable que impregna toda la película de un aura de educación necesaria en los tiempos que corren.

El director nos presenta un film donde la violencia y el dolor conviven con la rutina. La televisión, los videojuegos y las noticias se adueñan de la personalidad de un niño con graves carencias afectivas que busca en las armas una salida a su irritación. Un amigo imaginario se convierte en el único aliado y, tristemente, en la única voz con poder en su cabeza.

Como decía, el film se mueve en dos frentes. Si nos centramos en el cinematográfico la película falla básicamente en el ritmo y en algunos discursos llenos de moralina innecesarios. La evolución de Alex (Fergus Riordan) es lenta, pausada, plana, sin apenas cambios en el discurso. Sus amigos imaginarios,un militar y un astronauta, interpretados ambos por Ben Temple, ayudan a empujar el relato con diálogos bien elegidos y muy significativos.

El otro frente, el puramente educativo, lo afronta con auténtica devoción. Un título que debería proyectarse en los colegios porque en su carácter pedagógico reside toda su fortaleza. Otorga tanto poder a los medios audiovisuales, que constituyen el auténtico empujón al precipicio de un niño en medio de una familia desestructurada.

El plantel interpretativo es internacional "para no enmarcar la trama en ningún lugar concreto" en palabras de su director. Agradecido de contar en su película con nombres de la talla de Danny Glover (Arma Letal) ó Robert Englund (Pesadilla en Elm Street), se vió casi obligado a crear personajes nuevos para incluir estos actores en la película.

Como ya le ocurriera con "Diario de una ninfómana", el cartel del film ha creado polémica. Se ha prohibido su exhibición en los autobuses catalanes, lo cual no ha gustado nada a su director. Oírle hablar de "De mayor quiero ser soldado" es contemplar a una persona entregada a su proyecto, que repetiría experiencia sin dudar y que se siente feliz con su trabajo.

Menos tele y más cine...

José Daniel Díaz



sábado, 22 de octubre de 2011

Crítica: "La voz dormida"

Dura, muy dura, la adaptación del libro de Dulce Chacón que Benito Zambrano se encarga de plasmar en la pantalla. Un relato lleno de dramatismo, sin apenas margen para la esperanza, que no oculta en ningún momento su identidad política. La Guerra Civil, y en concreto la postguerra, vuelve con fuerza a la primera plana del cine español. El resultado es irregular pero unas soberbias interpretaciones y una cuidada dirección compensan los errores de ritmo y guión.

No es la primera vez que el papel de la mujer en esta dramática guerra se refleja en una película. "Las 13 rosas" salta rápidamente a la mente cuando analizas a "La voz dormida". Sin embargo, Emilio Martínez Lázaro hizo un retrato ligero, aburrido y fallido que dejó indiferencia. También Vicente Aranda se atrevió a tocar este tema con "Libertarias" pero tampoco el resultado fue muy satisfactorio.

Preseleccionada para los Oscar (aunque finalmente "Pa negre" fue la candidata) y con muchas opciones de entrar en las candidaturas a los Goya, "La voz dormida" fija su mirada en una pareja de hermanas cuya vida en los años 40 no puede ser más complicada. Tensi, embarazada, está encarcelada por ser hija y mujer de un revolucionario mientras que Pepita busca una paz que el odio no permite alcanzar.

Maria Leon e Inma Cuesta realizan un ejercicio actoral de primer nivel. Extraordinarias. La primera ya recibió con justicia la Concha de Plata en San Sebastián y la segunda a buen seguro se encontrará entre las candidatas a los premios de la Academia. Maria, hermana de Paco Leon, interpreta a Pepita con una naturalidad desbordante. Es un soplo de aire fresco entre tanta desgracia que arranca la sonrisa gracias a su inocencia e ingenuidad.

No vamos a descubrir ahora a Benito Zambrano. Su labor en "Solas" sorprendió por su retrato de mujeres. Ahora vuelve a repetir con una época especialmente dura y difícil de olvidar. Sin embargo su apuesta clara por uno de los bandos provoca en ocasiones discursos panfletarios y en otras una especie de caricaturización de los personajes. Todos tenemos claro el derroche de violencia que desplegaron los vencedores sobre los vencidos, la maldad y el rencor que recorrían la mirada de los verdugos, pero acudir a los extremos dibuja personajes cercanos a la parodia.

Excepto una de las funcionarias de prisiones a la que se entrega un cierto sentimiento humano, el resto son personas con una maldad escalofriante mientras que los republicanos presentan un gran valor humano en todos los sentidos. El exceso dramático evita que me sienta identificado con los personajes y su dolor no cala en mis entrañas ni me crea el nudo en el estómago.

De todas formas, más allá de valoraciones históricas ó sentimentales, la obra de Zambrano es una buena labor cinematográfica que merece un visionado. Su puesta en escena es llamativa y sorprendente, la ambientación perfecta y la fotografía sobresaliente. Un trabajo que mejora la media del cine español.

Podéis ver el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

martes, 18 de octubre de 2011

Mi selección de películas de mafia

Si hay un género que me pierde ése es el cine de mafias, posiblemente un subgénero dentro del cine negro, pero que ha generado algunos de los títulos más impresionantes de la historia del cine. Con mucho atrevimiento he decidido lanzarme y poner los que para mí son los 10 mejores títulos.

Mis elegidos son:

1.- Trilogía de El padrino (Francis Ford Coppola, 1972-1974-1990): Sin duda es el gran regalo que se puede hacer a un cinéfilo. Jamás he escrito una crítica sobre alguno de los títulos de esta saga. El motivo es sencillo, no me siento aún capaz de hacerlo. Un día me levantaré y me sentiré preparado para escribir algo que esté a la altura de lo que Coppola fue capaz de hacer. He puesto la Trilogía aunque todos estaremos de acuerdo en que la tercera parte no le llega a la suela de las otras dos.

2.- Uno de los nuestros (Martin Scorsese, 1990):  Apasionante retrato de la mafia de la mano del gran mago de este género. Scorsese recoge el gran don innato de Robert de Niro y Joe Pesci y nos conduce al cine más puro y demoledor.

3.- El precio del poder (Brian de Palma, 1983): Al Pacino da vida a Tony Montana, un capo de la mafia de Miami. Un papel que le catapultó definitivamente como mafioso de honor. Quién puede olvidar la escena en su casa disparando a diestro y siniestro. Yo, sin duda, no.

4.- Los intocables de Eliot Ness (Brian de Palma, 1987): La batalla entre el policía Eliot Ness y el famoso Al Capone se plasmó de forma perfecta en este interesante título. ¿Recordáis la escena en la estación de tren con ese carrito del niño cayendo por las escaleras? Puro cine.

5.- Infiltrados (Martin Scorsese, 2006): Por fin el Oscar recaía en uno de los mejores directores de la Historia. Este remake enrevesado pero perfectamente dirigido nos descubrió un Matt Damon soberbio, un Leo DiCaprio maduro, una Vera Farmiga bellísima y un Jack Nicholson.... muy Jack Nicholson. Imprescindible.

6.- Camino a la perdición (Sam Mendes, 2002): Tengo que admitirlo. Jamás pensé que Tom Hanks pudiera ser un gangster creíble, y Sam Mendes y el propio actor me demostraron que con Paul Newman al lado todo es posible. Por cierto, Jude Law interpreta el enemigo más enigmático y original que recuerdo.


7.- Casino (Martin Scorsese, 1995): Sí, Scorsese de nuevo. Es capaz de coger una actriz de tercera como Sharon Stone y sacar de ella lo que parecía imposible. Si a eso sumas a los incombustibles De Niro-Pesci.... pues el resultado es imposible que baje del notable. Las Vegas en el punto de mira, la mafia en el transfondo de todo.

8.- El clan de los irlandeses (Phil Joanou, 1990): La desconocida mafia irlandesa salta a la palestra con este thriller cargado de acción y dolor que saca lo mejor de Sean Penn, un "colgado" Gary Oldman y el siempre frío y calculador Ed Harris. Una agradable sorpresa.

9.- Dick Tracy (Warren Beatty, 1990): Original, entretenida, divertida, visualmente espectacular, ... Aunque se aleje de los tópicos que entendemos como cine negro, creo que su puesta en escena, maquillaje, banda sonora, interpretaciones,etc. merecen un reconocimiento. Quiero a Dick Tracy muerto!! Si es que hasta Madonna lo hace bien!!!

10.- Gangs of New York (Martin Scorsese, 2002): La incluyo porque, pese a que puedo estar de acuerdo en que no merecería estar entre las diez mejores, fue denostada en su momento e injustamente tratada. Sólo salvaron de la quema a Daniel Day Lewis como "carnicero" pero lo cierto es que la recreación de ese Nueva York del caos fue fanástica y a mí me tuvo en vilo toda la película. Bien por el riesgo.

Sé que faltan muchísimas pero ya se sabe que en estas listas.... la discusión está servida!!



José Daniel Díaz

jueves, 13 de octubre de 2011

Bardem y Noriega continúan con la larga lista de actores españoles "malos"


Hace escasas fechas se ha conocido que Javier Bardem será el "malo" de la próxima película de James Bond. Un personaje que seguro dará que hablar y se analizará con mucha precisión por todo el mundo cinematográfico.

Paralelamente también ha salido a la luz el próximo proyecto en Hollywood de Eduardo Noriega, "The last stand". Un film que supone la vuelta a las pantallas de Arnold Schwarzenegger y en la que tendrá la dura tarea de sacar su lado más malvado para hacer doblar la rodilla al mítico actor austríaco.

Sin embargo, si analizamos la trayectoria de los actores españoles en la Meca del cine, nos damos cuenta que el papel de "malo" lo han interpretado en muchas ocasiones y se ha convertido en algo habitual en el cine americano. Parece que lo hispano huele a maligno y debemos darles mucho miedo por allí. Imagino a Luis Tosar paseando por la Gran Manzana mirando asombrado cómo los viandantes de bien se cambian de acera a su paso.

Este gran actor al que veremos pronto de malvado casualmente en la película "Mientras duermes", protagonizó uno de esos productos comerciales para olvidar que a veces nos trae el cine americano. Su papel de narcotraficante (qué repetitivo lo de los narcos) en "Corrupción en Miami" seguramente le impida dormir muchas noches.

No es el único que se atrevió a interpretar el papel de narco, el actor venido a menos Jordi Mollá tuvo un papel de ese tipo en la más honrosa "Blow" donde Johnny Depp se las veía entre españoles. Penélope Cruz también participó en esta mafiosa aventura que, si bien no tuvo excesivo éxito, para la actriz española fue un espaldarazo.

Nuestro malagueño más internacional, Antonio Banderas, también ha tenido sus papeles de mala persona en Hollywood. Parece difícil con ese aspecto cercano y amable pero así es la labor del actor. Últimamente le vimos en "La piel que habito" de médico sin escrúpulos pero ya sacó su mala "follá" en "Asesinos" donde Stallone tuvo que sudar tinta para vencer a su enemigo. De igual forma su lado más vampírico salió a relucir en "Entrevista con el vampiro", uno de sus mejores films.

Por increíble que parezca a veces hasta recibimos un Oscar por ser "malos". Bardem precisamente gracias a una interpretación magistral en "No es país para viejos" pudo alzar la dorada estatuilla; quizás por temor a que ese personaje tan extraño que a mí me recordaba al de "Perdita Durango" (no me preguntéis por qué), pudiera lanzarse contra los Académicos y axfisiarlos mientras pataleaban sobre el suelo.

También, en contraposición, hemos tenido papeles absurdos que más que dar miedo daban risa como el que interpretó por escasos 5 minutos Santiago Segura en "Blade II". Su papel de vampiro al que machacan antes de poder enseñar el diente es un cameo sólo entendible si la amistad es mayor que la verguenza.

Seguro que a muchos de vosotros se os ocurren más muestras de nuestro lado más oscuro en Hollywood pero esta relación puede servir para hacernos pensar que somos unos "chungos" y que quizás, si un día vemos a Tosar por la calle, deberíamos cambiar de acera. Y yo pensando en hacerme una foto con él... qué inconsciente!!!

José Daniel Díaz

jueves, 6 de octubre de 2011

Cinedania se convierte en "Embajador Aladina"


Ayer Cinedania estuvo en la presentación de un nuevo proyecto de la Fundación Aladina, el estreno en diciembre de la película "Maktub". Para los que no conozcáis esta Fundación, os diré que su objetivo fundamental es hacer la vida más fácil a los niños que padecen la enfermedad del cáncer. Los que me conocéis sabéis mi especial debilidad por este mal que tantas vidas se ha llevado.

El Restaurante Teatriz de Madrid fue el lugar elegido para dar un pequeño cocktail y mostrar un avance de lo que será uno de los grandes estrenos de las Navidades. Desde Cinedania os animamos a que el día 16 de Diciembre se abarroten las salas para disfrutar de esta comedia porque todo lo que se recaude en taquilla irá destinado a la creación del Centro Maktub de transplantes de médula ósea. Ese objetivo será posible si se llega a recaudar 500.000 euros.

"Maktub" está dirigido por Paco Arango que es el presidente de la Fundación y quien ejerció de maestro de ceremonias en la presentación. Protagonizada por Diego Peretti y de un sinfín de actores como Aitana Sánchez Gijón, Mariví Bilbao, Goya Toledo, Rosa María Sardá, Enrique Villén,... la historia se centra en Antonio, un joven niño con cáncer y sus peripecias con un hombre que se hace pasar por su padre.

Por lo bonito e interesante que nos parece el proyecto hemos decidido que Cinedania sea "Embajador Aladina". Ese simbólico título significa que a partir de ahora ayudaremos a desarrollar y promocionar las actividades de la Fundación y la película "Maktub" fundamentalmente. Poner un pequeño granito de arena para que este sueño se cumpla es una obligación.

Os seguiré informando sobre esta fantástica iniciativa. De momento os dejo los enlaces de la Fundación y de la película:

Fundacion Aladina
Maktub, la película

Gracias



José Daniel Díaz

martes, 4 de octubre de 2011

Crítica: "Intruders"

El próximo fin de semana las carteleras españolas estarán de enhorabuena. Juan Carlos Fresnadillo estrena su último film, "Intruders", que ya inauguró con éxito el pasado Festival de San Sebastian. Con un elenco internacional que encabeza Clive Owen, Pilar López de Ayala y Daniel Bruhl, este cuento de fantasmas encadena tensión y sorpresa con mucha astucia.

"Carahueca" es un ser extraño. Aparece de la nada, se cuela en las habitaciones de los niños e intenta llevarse su cara. Está necesitado de una imagen que perdió hace mucho tiempo y sólo cuando repites su nombre puede escapar de la cueva en la que se encuentra. Dos niños en dos familias distintas sufren a este malvado engendro. Dos vidas paralelas, dos maneras de afrontarlo distintas.

"Intruders" es algo más que una película de ciencia ficción, un thriller psicológico o un encuentro con el suspense y el terror. Es nostalgia, miedo, heridas mal cerradas, cobardía, soledad.... Son muchas cosas pero todas contadas con sutileza, casi de pasada. Porque el objetivo fundamental es el entretenimiento, es el eje sobre el que se mueve todo el engranaje.

Lamentablemente en ocasiones incide demasiado en las mismas escenas, recalca actitudes de sobra conocidas y su principal objetivo se dispersa. Le cuesta mantener el ritmo de la película y eso lo nota el espectador. Sus actores pelean las escenas con pasión, destacando la labor de los dos niños, y soportando las trampas que el guión va encadenando.

Fresnadillo apunta a la mentira, con un disparo certero y acusado. A esa mentira benévola, la que se utiliza para no hacer daño pero hiere con más fuerza. Apunta a lo que impresiona a un niño que se está haciendo como persona, a la imaginación mal encaminada y a los sueños que perdieron su sentido. Ya comentaba el director que algo de él se encontraba en la película, como una espina que quieres quitarte en forma de imágenes y sonido. Todas las familias esconden secretos, todas tratan de ocultarlos y los niños se acaban convirtiendo en las grandes víctimas.

Y luego está el final. Ese gran final donde todo cobra sentido. Se la juega Fresnadillo, arriesgando una historia bien llevada pero carente de elementos de sorpresa, con la intención de dar la campanada en los últimos minutos. Y vaya si lo consigue. Me despertó la sonrisa, ésa que te hace pensar que caíste en la trampa del director, ésa en la que sabes que jugaron contigo y te gustó.

Como diría Sabina "nos sobran los motivos" para verla. Con lo difícil que es innovar en los guiones de cine, estas pequeñas joyas merecen premio. El mejor que le podemos dar es el de la taquilla. Ojalá le vaya bien.

José Daniel Díaz


sábado, 1 de octubre de 2011

Crítica: "Larry Crowne, nunca es tarde"

Gracias a TriPictures y a Factoría Interactiva, tuvimos la ocasión de asistir al preestreno de una película que bien podría llamarse "Tom Hanks, nunca es tarde", pero que debía de sonar demasiado pedante y prefirieron poner un nombre ficticio al estilo Sara Montiel pero a la americana. El resultado es "Larry Crowne, nunca es tarde", un film producido, escrito, dirigido y protagonizado por el oscarizado actor que supone un autohomenaje a sus papeles más simpáticos y emotivos.

Como compañera de viaje no recurrió a jóvenes talentos; decidió que para su primera película como director debía contar con una mujer con experiencia, reconocida, que atrajera público y pudiera comerse la pantalla con su sola presencia. Julia Roberts cumplía esos requisitos sobradamente y, aunque sus carreras artísticas sólo  se habían encontrado en "La guerra de Charlie Wilson", se nota la química positiva que existe entre ellos.

Con esos ingredientes ya sólo faltaba un guión que conjuntara todos los elementos y sacara una sonrisa en el espectador. Se acompañó de la actriz y guionista Nia Vardalos, a la que todos recordamos como protagonista de "Mi gran boda griega", para redactar el libreto; un guión que alternara momentos drámaticos e incluso de cierta crítica social con otros románticos sin perder nunca el ambiente cómico y distendido.

El resultado es una película algo inverosímil (aún no entiendo cómo entra en una pandilla de scooteros) pero muy eficaz en sus objetivos. Tom Hanks se encuentra en su salsa, nos regala todas sus monerías cómicas que parecían abandonadas desde títulos como "Big", y se reconcilia con el cine de entretenimiento.

Aunque seguramente no sean las pretensiones iniciales, hay un mensaje muy claro. Sin estudios, en un mundo tan competitivo, es imposible mantener con seguridad un puesto de trabajo. Tener esos estudios tampoco tranquiliza tu futuro laboral y menos en estos tiempos, pero abre en gran medida todo el mercado por el que te puedes mover.

Con estos mimbres la cesta ya está lista y estoy convencido que no defraudará a aquéllos amantes del cine sin pretensiones americano. No engaña, no busca dobles sentidos y no oculta lo que es, por eso nadie se sentirá estafado. Yo, al menos, no me sentí así.

Podéis ver el tráiler aquí

José Daniel Díaz

martes, 27 de septiembre de 2011

Crítica: "No habrá paz para los malvados"

Presentada con gran éxito en el pasado Festival de San Sebastián, "No habrá paz para los malvados" es cine negro en estado puro. Un golpe seco sobre la mesa, una patada en la entrepierna para aquéllos que decían que era imposible igualar los grandes thrillers policíacos americanos.

Enrique Urbizu dibuja un personaje grotesco, perdedor como pocos, cobarde en sus sentimientos y diestro en el manejo del revólver. José Coronado le da forma, personalidad propia, y entre ambos consiguen que esta película pase a la historia del cine español.

Las premisas eran positivas. El tándem Urbizu-Coronado ya nos había regalado tardes de cine de grandes quilates. Aún guardo imágenes en la retina de "La vida mancha" donde la relación entre hermanos derivaba en un thriller de perdedores. Es curioso cómo Enrique Urbizu cae siempre en la tentación de mostrar a las personas que ya no ganan nada y apenas tienen algo que perder.

Santos Trinidad, el corrupto agente que interpreta con maestría José Coronado, es un personaje al más puro estilo western. Solitario, sin ambición y sin más objetivo en la vida que vaciar cada botella de ron que se encuentra, comete un asesinato motivado por una borrachera mal llevada. Buscar el testigo que puede acusarle se convierte en una trepidante aventura que le hunde cada vez más en el hoyo que él mismo se ha cavado.

Hablaba Coronado que si Urbizu le pidiera tirarse por un barranco, él lo haría. Posiblemente la admiración al maestro le haya impedido ver que estuvo al borde de ese precipicio más de lo que pudiera imaginar, porque personajes como éste pueden llevarte al mayor de los fracasos o encumbrarte al éxito. Tuvo suerte, quizás talento, pero el resultado es uno de esos nombres que le acompañarán el resto de su vida; como ya le ocurriera a Luis Tosar con su álter ego "malamadre".

El film tiene todos los elementos que adornan el cine negro. Esos policías y jueces que se creen muy listos pero siempre caminan un paso por detrás de Santos, unos terroristas dispuestos a generar la mayor de las masacres, un compañero de trabajo preocupado por cubrir a su amigo, una familia que se intuye en el horizonte del olvido, un hombre sin paz.

Y Madrid siempre al fondo, como un personaje más. Los bajos fondos de la ciudad puestos al descubierto, un pueblo cansado de sufrir que como siempre vive en la ignorancia del mal que acecha a su alrededor. Como ya presentara Iñárritu en "Biutiful" la cara oscura de Barcelona, el director busca los lugares más conflictivos de la capital para enseñarnos esa otra cara que siempre queremos ocultar.

Menos mal que cuando empezamos a perder la fe en el cine español, algo nos despierta el ánimo y nos hace sentir que también tenemos mucho que decir. Enrique Urbizu lleva tiempo sin callar y ojalá no lo haga nunca.

José Daniel Díaz

domingo, 25 de septiembre de 2011

Un palmarés bastante extraño cierra una edición sobria pero interesante del Festival de San Sebastian


Casi sin darnos cuenta el Festival de San Sebastián ha cerrado sus puertas.Ocho días de cine de todo tipo que culminan con la entrega de premios; ésos que nunca cumplen las expectativas y siempre dejan seguidores y retractores. Personalmente, en los tres años que he ido a este prestigioso Festival, nunca he coincidido con la opinión del Jurado y como podéis sobreentender... con el de este año tampoco.

La Concha de Oro ha recaído en "Los pasos dobles" de Isaki Lacuesta, una mezcla entre ficción y documental, que pasó casi desapercibido en el Festival. Bueno, desapercibido para todos menos para el Jurado. Debe ser que tan magnos decisores llegaron a San Sebastián el lunes porque olvidaron mención alguna a cualquier película presentada durante el primer fin de semana.

Eso quiere decir que "No habrá paz para los malvados" que partía como gran favorita se quedó en blanco. Y todavía nos preguntamos qué habrán visto en el actor griego Antonis Kafeztopoulos por "Adiskos kosmos" para considerar que su interpretación merecía más premio que la de José Coronado como Santos Trinidad. Quizás premiar dos actores españoles les pareció demasiado (aunque no hace mucho ya se hizo con los dos intérpretes de "Yo también").

Nadie puede poner un "pero" a la Concha para María León por "La voz dormida". Unánimente reconocida por la crítica como lo mejor de la película, ya se da por hecho su Goya a actriz revelación.

La Concha al mejor director fue a parar también a la película griega "Adiskos kosmos" lo cual, como ya apuntaban en la gala de clausura, parecía más un acto benéfico para remediar la crisis griega que un merecido galardón desde un punto de vista objetivo.

Más consenso hubo con la Mención especial del jurado para "Le Skylab" de Julie Delpy. Una divertida comedia que causó carcajadas en el pase de prensa y que muchos reconocían tenerla entre las favoritas. Los diez años de gestación del proyecto al menos tuvo recompensa en el palmarés, algo que no era seguro teniendo en cuenta los gustos del Jurado.

Finalmente el guión recayó merecidamente en "Kiseki" de Kore-eda y la fotografía en "Happy end", un insulso producto danés que mereció pocas líneas en los diarios.

José Luis Rebordinos ha debutado este año en la dirección del Festival, ha sacrificado estrellas por películas y ha invertido en nuevas secciones como Culinary Zinema. Sin embargo, aún queda mucho trabajo por desarrollar, sigue faltando algo de identidad, convencer a quien sea necesario para que los mejores títulos no se estrenen antes en Venecia o Toronto y por último, sacrificar alguna Sección marginal poco atractiva por algo de glamour.

Ojalá Cinedania siga viendo esta evolución in situ, cerca de la Concha y disfrutando de una de las ciudades más bonitas del mundo como es San Sebastián.

José Daniel Díaz

viernes, 23 de septiembre de 2011

Crítica: "Con derecho a roce"

Por cortesía de Sensacine y Sony tuvimos la oportunidad de asistir al preestreno de la película "Con derecho a roce" del director Will Gluck ("Rumores y mentiras"). Protagonizada por Mila Kunis y Justin Timberlake, la película es un producto dirigido eminentemente a los amantes de la comedia romántica americana. Para los que no somos tan fieles a ese género el resultado es simpático pero muy repetitivo, poco original y de escaso poso en el espectador.

La historia es muy actual. Dos personas se conocen y deciden tener de vez en cuando relaciones sexuales sin aspirar a ningún tipo de sentimiento parecido al amor. Es lo que se suele llamar un "follamigo". Lógicamente esa situación tan divertida y placentera desemboca poco a poco en algo más complicado, no buscado pero inevitable.

Es curioso que los dos actores protagonistas participaron en dos de los films más impactantes del pasado año. Mila se convertía en la gran competidora de danza de Natalie Portman en "El cisne negro" y Justin en el creador de Napster en "La red social". Dos títulos que les han catapultado en sus carreras a niveles de superestrellas pero que bien pronto se han dejado atrapar por los proyectos de consumir y tirar.

No critico que se hagan películas como "Con derecho a roce" pero está claro que su objetivo es entretenerte, hacerte olvidar tus problemas durante dos horas y volver a casa tranquilo hablando del tiempo, porque de la película poco vas a hablar. Quizás se te ocurra comentar con tu pareja si alguna vez ella/él tuvo un follamigo pero es probable que eso genere más de una pelea y no un ameno debate.

El guión, aunque muy previsible, tiene dos personajes muy destacados. Además se dá la situación que ambos están interpretados por dos expertos en la materia. El primero es el padre de Justin, un hombre con principio de Alzheimer que maneja con gran habilidad Richard Jenkins ("The visitor"); el otro es el compañero de trabajo del protagonista, un gay de carácter muy macho que saca más de una sonrisa gracias a la labor de Woody Harrelson.

Echo de menos algo más de humor en la película y algo menos de metraje. No concibo dos horas para contar este "rollito" entre dos amigos y creo que era un tema lo suficientemente descarado como para generar más de una situación cómica. Sin ser alarmante estos defectos, es cierto que tienen cierta importancia en el marco general de la película.

Si no tuviste un amigo con derecho a roce.... pues por lo menos véte al cine para ver qué hubiera pasado no?

José Daniel Díaz

miércoles, 21 de septiembre de 2011

Cinedania regala 5 entradas dobles para el preestreno en Madrid de "Larry Crowne, nunca es tarde"


Gracias a Factoría Interactiva tenemos el placer de organizar un concurso para conseguir una de las 5 entradas dobles que tenemos preparadas para el preestreno de "Larry Crowne, nunca es tarde" en el 3Ddreams del Palacio de Hielo el próximo día 29 a las 22:00.



La película está dirigida por Tom Hanks que además interpreta el papel principal junto a Julia Roberts. Larry Crowne trabajaba en una gran compañía hasta que fue despedido. Sin saber qué hacer entra en la Universidad donde se sentirá atraído por una de sus profesoras.

Si quieres conseguir una de las 5 entradas dobles tendrás que mandar un email antes del 27 de Septiembre a cinedania@hotmail.com con el asunto "concurso Larry Crowne" y respondiendo a esta sencilla pregunta: "¿Cuál es en tu opinión la mejor película de Tom Hanks y por qué?

Si sois uno de los agraciados el día 27 recibiréis un email con toda la información para recoger las invitaciones y acceder a este esperado pase.

Animaos y mucha suerte!!!!

martes, 20 de septiembre de 2011

La Sección Oficial a competición entra en juego de una manera un tanto densa


La Sección Oficial a competición ya está en pleno auge. Si en apenas tres días sólo habíamos podido disfrutar de "No habrá paz para los malvados", "Amen" y "Take this waltz" por la disputa de la Concha, en un único día dos películas más entraban en la disputa. "The deep blue sea" de Terence Davies y "Los pasos dobles" de Isaki Lakuesta componían la oferta de la Sección en la cuarta joranada. Zabaltegui-Perlas, por su parte, presentaba un título que llegaba con buenas referencias de Sundance llamado "Martha Marcy May Marlene" de Sean Durkin.

Se esperaba con mucho interés la nueva propuesta de Terence Davies, homenajeado con una retrospectiva en San Sebastián hace apenas dos años. "The deep blue sea" tenía la suerte de contar con dos grandes actores: Rachel Weisz ("Agora", "La momia") y Tom Hiddleston ("Thor"). Su planteamiento está basada en una obra teatral y el concepto del film dibuja esa línea de escenario, como si la pantalla se convirtiera en un teatro improvisado.

Ambientado en los años 50, Hester Collyer es la mujer de un famoso juez del Tribunal Supremo pero sus sentimientos no están con él. Sin poder evitarlo se enamora de un piloto de las RAF que, aunque la aporta menor seguridad y nivel social, la atracción supera todos los inconvenientes.

Ha sido bien recibida en el Festival y no sería de extrañar que recibiera algún premio. Personalmente me inclino por la Dirección puesto que el temple con el que maneja las escenas es sencillo pero muy efectivo. También se apunta a la actriz Rachel Weisz como firme candidata a Concha.

Sin embargo, personalmente he echado en falta mucho más dinamismo. No me gustan las obras de teatro grabadas, no me gustan las interpretaciones teatrales en la pantalla grande y no me gusta que se aplaudan películas que sólo parecen películas porque las ves en una pantalla y no en un escenario. Recuerdo cuando "El perro del hortelano" de Pilar Miró ganó el Goya a Mejor Película y no puedo dejar de sentir que el engaño tramposo se apoderó de los Académicos.

No resto virtudes a este denso y lento relato pero no puedo evitar pensar que una adaptación cinematográfica es otra cosa.

Menos repercusión tuvo la otra apuesta del día. "Los pasos dobles" de Isaki Lakuesta cuenta en tono documental el trabajo de un pintor francés en un búnker en medio del desierto. Escaso interés en el público y algunas salidas antes de hora presagian poca suerte para este film arriesgado y poco comercial.

Una pequeña decepción fue el film "Martha Marcy May Marlene" de Sean Durkin. La huída de una extraña secta por parte de una joven chica rescata, alternando tiempo actual y pasado, sus mayores miedos. Su inadaptabilidad social se convierte en un duro alegato no sólo de su estancia en el grupo sino de su reinserción en la sociedad. Aunque es un film aconsejable eché en falta más metraje dedicado a la vida en la secta y su evolución dentro de ella.

La jornada culminó con dos ruedas de prensa de distinta índole. Por un lado la presentación de la película "Buscando a Eimish" de Ana Rodríguez que contó con la presencia de la directora y de sus dos actores, Oscar Jaenada y Manuela Vellés. Aunque apenas pudimos ver un pequeño tráiler de adelanto, ya se pudo observar su apuesta por las relaciones personales y su carácter internacional ya que se ha rodado en ciudades como Berlín ó Verona. Su estreno se espera en 2012.

El otro coloquio lo pudimos encontrar en el Hotel Londres donde se presentó el telefilm para la ETB "El precio de la libertad" que esa misma noche se proyectaba en el Teatro Victoria Eugenia. Con la presencia de todo el equipo artístico encabezado por el actor Quim Gutiérrez, esta miniserie de dos capítulos se centra en una parte de la vida de Mario Onaindia, activista de ETA condenado por Franco que posteriormente fue condenado por sus propios compañeros terroristas al abogar por el abandono de las armas y la lucha exclusivamente política.

En otro orden de cosas, se volvió a demostrar el poco glamour que está llegando a San Sebastian. Echamos en falta a Rachel Weisz en la rueda de prensa de "The deep blue sea" como el día anterior ya nos ocurriera con Michelle Williams y Seith Rogen de "Take this waltz".  Bienvenida sea esta rebaja en el famoseo si nos trae películas de tanto lustre como las que estamos viendo en lo que considero que es la mejor elección de películas en muchos años.

José Daniel Díaz